我過去在歐洲居住與旅行時，最愛做的一件事就是去美術館與藝廊，欣賞名作的真跡。因為親眼看到畫上的筆觸、顏料的堆疊，就好像見到正在揮筆的那些傑出靈魂。他們洋溢的才華與生命力，直接觸動站在畫前的我，彷彿我們之前沒有任何時空的隔閡與阻礙。這次，我在台南又重溫了這樣的感動。看完展覽中橫跨四百年、從拉斐爾到梵谷的名作真跡後，讓我深受感動與啟發，心中更燃起熾烈的創作之火。這個展覽就是奇美博物館的《從拉斐爾到梵谷：英國國家藝廊珍藏展》

展區與作品介紹

這次奇美博物館的展覽規劃是以藝術時期作為展區的排序，每區都是西洋繪畫史的關鍵時期。其實我也很喜歡這樣的安排，因為走完四個展區，除了好像穿越了一趟歐洲藝術的400年時空，也能清楚感受到歐洲繪畫風格的演進。讓即便是初次踏進歐洲繪畫世界的人，只要單純的依照展區順序參觀，就輕鬆建立起脈絡與架構。

展區一：人文的甦醒｜歐洲文藝復興繪畫

第一個展區就是歐洲繪畫的重要轉型期，也就是十五世紀的文藝復興時期。這時人們除了重新燃起對古希臘羅馬藝術的嚮往，在藝術上也不再以宗教作為創作的中心，而是開始以人為本。在文藝復興發源地佛羅倫斯，因為有梅第奇家族等資金的贊助，藝術發展相當熱絡，出現了波提切利與拉斐爾等極具代表性的畫家。義大利的北方則有貝里尼、提香為代表的威尼斯畫派。

如這幅威尼斯畫派大師貝里尼所繪的〈聖母子〉中，抱著耶穌的聖母瑪利亞就流露出母親的溫柔，自然地呈現出母子間的情感。可看出這時的聖像畫，已經開始有文藝復興時的「人味」，但同時也透過頭上的光環，來呈現其神格。其中聖子的光環有Ｘ，為希臘文中，基督第一個字母。值得一提的是，當時的紅色跟藍色顏料因為取得不易，需分別自胭脂蟲與青金石提取，相當稀有珍貴，因此只會用在聖像畫中的聖母上。

而拉斐爾的〈聖母子與施洗者約翰〉，又更加情感流露與自然，色調也更為明亮柔和。單是透過人物的目光與手勢，觀者就能感受三者間，一切都在不言中的複雜心思。

這幅布克雷爾〈四元素〉系列中的〈水〉也是這區很特別的作品。因為安特衛普出身的布克雷爾，在地魚市場這樣的世俗場景中，融入了聖經故事的宗教場景。在背景的尖拱門後，就出現了耶穌顯靈，告訴門徒朝某方向撒網，就可以捕獲很多魚的聖經故事。

展區二：從王室到平民｜巴洛克繪畫

接著時序來到第二展區的16、17世紀，此時的歐洲藝術風格進入巴洛克時期，開始更加強調動態與情感的傳達。因此場景與筆觸也更加生動、豐富，展現了不同社會階級生活裡的種種樣貌。

像是卡拉瓦喬的這幅〈被蜥蜴咬傷的男孩〉，就精準捕捉了男孩被咬時的痛苦與驚恐瞬間。他運用了強烈的光影、誇張的肢體動作，讓整畫面呈現了極高的張力。加上本就善於靜物畫的卡拉瓦喬，又在前景細膩地畫上水瓶、花朵與水果。動靜對比之下，讓男孩的反應更顯動態十足。

而這時期的歐洲其實也正經歷宗教的分裂與改革，因此也連帶影響了繪畫的題材與形式。相較於舊教國家，繪畫仍多用以強化教會與王權。新教國家如荷蘭，因為商業繁盛造就中產階級興起，畫家常被委託創作更多元的題材，阿姆斯特丹國家博物館收藏的林布蘭〈夜巡〉就是一例。

讓我很驚喜的是，這次英國國家藝廊珍藏展也有展出一幅林布蘭的真跡。這幅林布蘭在六十三歲所創作的自畫像，是他離世前三幅自畫像中的一幅。在這幅作品裡，林布蘭用了厚重的顏料，堆疊出衰老臉龐的皺紋。尤其在展區照明下，顏料產生的光影，又讓他臉上，特別是眼睛周遭層層皺摺更加明顯。

這樣毫不遮掩，坦然忠實直視自我之作，讓我印象非常深刻。除了是林布蘭在處理歲月痕跡技法上的自我磨練外，不知是否也因他在人生尾聲，已全然接受生命最真實的樣貌。

展區三：探索與創造｜壯遊風潮

十八世紀時，英國貴族間開始流行起去歐洲大陸壯遊（Grand Tour），以增加見識與藝術涵養。這些壯遊的貴族也會委託當地的畫家繪製風景畫與肖像畫。像是威尼斯出身的卡納萊托，就因為他借助暗箱等科技，所繪製精準又細膩的威尼斯城市風景畫，而大受英國收藏家的喜愛，更對當時英國的文化產生深遠的影響。

這時期英國繪畫的發展也相當熱絡，例如這幅勞倫斯的〈穿紅衣的男孩〉就讓我印象非常深刻。這幅作品是男孩的父親委託勞倫斯所作，勞倫斯將當時年約六、七歲男孩的稚嫩臉龐如實重現。讓兩百年後站在這幅畫前的我，還是能感受到男孩吹彈可破的肌膚，以及雙眼閃爍的光芒。

展區四：光線與色彩｜印象派繪畫

時序最後來到展區四的十九世紀，這時的歐洲出現了光影色彩絢爛的印象派。這區更是大眾熟知的名家雲集，展有梵谷、莫內、雷諾瓦、高更與馬內等人的作品，為整個展覽帶來精彩的結尾，也讓我想起過去在巴黎奧塞美術館曾經體會到的感動。

當我一走進展區，見到這幅畫充滿生命力的筆觸、大膽奔放的用色，不需說明，就知道我又與梵谷見面了。根據梵谷與其弟西奧的通信，這幅〈長草地與蝴蝶〉推測是他在療養院時，所繪的兩幅院內花園的作品之一。畫中以綠、黃、藍、紫與紅褐色等各色長短筆觸，呈現了園內花草蔥鬱，生命力旺盛的氛圍。梵谷也在最上方畫了一條看不見盡頭的小徑，除了讓平面的繪畫更具縱深感外，也讓觀者對畫框外的遠方風景更加好奇。梵谷在這幅作品裡還畫了七隻蝴蝶，大家可以挑戰看看能不能全部找出來。

我早期在學習攝影時，常常模仿其他我仰慕的攝影師作品，並從中學習。所以當我看到高更這幅臨摹塞尚的作品時，不禁感同身受，很能理解這樣的創作者心境與歷程。高更很喜歡塞尚的作品，在他手頭比較寬裕時，曾經購入六幅塞尚的作品，其中他最喜愛的就是〈靜物和水果盤〉。在這幅臨摹畫中，高更嘗試了塞尚在一幅畫中，同時結合不同視角的手法。像是畫中水果盤是略微俯視的角度，但同張桌子上，緊鄰水果盤的陶罐卻是平視角度。但高更在桌子後方加了城市的遠景，讓整幅作品更具縱深。

我在國外看過不少莫內的作品，也曾親自走訪莫內故居的花園。每次看到他的畫作，總是非常被觸動。因此很開心這次能夠在奇美博物館再次體會這樣的感受。這幅〈鳶尾花〉正是在莫內花園所創繪製。莫內晚年在此共創作了二十幅鳶尾花的相關作品。這次展出的作品，推測是在花園內著名的「日本橋」上，俯視一條花朵圍繞的小徑。這幅畫在莫內過世時仍在畫室中，因此有可能是他的未竟之作。